Laurent Perret-Gentil

LAURENT PERRET-GENTILLAURENT PERRET-GENTILLAURENT PERRET-GENTIL

Laurent Perret-Gentil est un artiste visuel suisse, membre de Visarte Suisse et de Visarte Bienne. Né à Lausanne, il obtient un Bachelor en arts visuels à l’ÉDHÉA (Sierre) en 2018, récompensé par le Prix d’excellence HES-SO.

Ses projets explorent l’espace et la perception au sens large, à travers des environnements interactifs qui invitent les spectateur·rice·x·s à analyser les dispositifs perceptifs, à expérimenter leurs propres perceptions et à explorer leur imaginaire.

Basé à Bienne, son travail a été présenté en Suisse, notamment au Musée jurassien des arts, au Kunsthaus Biel et au Kunsthaus Langenthal, ainsi que dans les espaces d’art Lokal-int, Krone/Couronne et Juraplatz (Bienne). Il a également été présenté à l’international, notamment lors d’une projection au AA29 – International Film Festival à Caserta (Italie) et dans le cadre de sélections officielles dans des festivals internationaux.

Ses œuvres Landings et Infinite Structures font partie de la Collection d’art du canton de Berne.Laurent Perret-Gentil ist ein Schweizer bildender Künstler und Mitglied von Visarte Schweiz sowie Visarte Biel/Bienne. Geboren in Lausanne, schloss er 2018 einen Bachelor in Bildender Kunst an der ÉDHÉA (Siders) ab, ausgezeichnet mit dem HES-SO Excellence Award.

In seinen Projekten untersucht er Raum und Wahrnehmung im weitesten Sinne durch interaktive Umgebungen, die Betrachter:innen dazu einladen, Wahrnehmungsdispositive zu analysieren, ihre eigene Wahrnehmung zu erproben und ihre Vorstellungskraft zu entfalten.

In Biel/Bienne ansässig, wurden seine Arbeiten in der Schweiz unter anderem im Musée jurassien des arts, im Kunsthaus Biel und im Kunsthaus Langenthal sowie in den Kunsträumen Lokal-int, Krone/Couronne und Juraplatz (Biel/Bienne) gezeigt. International wurde seine Arbeit unter anderem im Rahmen einer Vorführung beim AA29 – International Film Festival in Caserta (Italien) sowie durch offizielle Auswahlen bei internationalen Festivals präsentiert.

Seine Werke Landings und Infinite Structures sind Teil der Kunstsammlung des Kantons Bern.Laurent Perret-Gentil is a Swiss visual artist and a member of Visarte Switzerland and Visarte Biel/Bienne. Born in Lausanne, he obtained a Bachelor’s degree in Visual Arts from ÉDHÉA (Sierre) in 2018, receiving the HES-SO Excellence Award.

His projects explore space and perception in a broad sense through interactive environments that invite viewers to analyze perceptual dispositifs, experiment with their own perceptions, and explore their imagination.

Based in Biel/Bienne, his work has been presented in Switzerland, notably at the Musée jurassien des arts, Kunsthaus Biel and Kunsthaus Langenthal, as well as in the art spaces Lokal-int, Krone/Couronne and Juraplatz (Biel/Bienne). Internationally, his work has been shown through a screening at the AA29 – International Film Festival in Caserta, Italy, and as part of official selections at international festivals.

His works Landings and Infinite Structures are part of the Art Collection of the Canton of Bern.

E(A)nt(h)ropical SnowE(A)nt(h)ropical SnowE(A)nt(h)ropical Snow

E(A)nt(h)ropical Snow, Juraplatz, Bienne, 05-31 octobre 2025E(A)nt(h)ropical Snow, Juraplatz, Bienne, 05.–31. Oktober 2025E(A)nt(h)ropical Snow, Juraplatz, Bienne, 05–31 October 2025

E(A)nt(h)ropical Snow, Juraplatz, Bienne, 05-31 octobre 2025 - Crédit Photo : Enrique Muñoz GarcíaE(A)nt(h)ropical Snow, Juraplatz, Bienne, 05.–31. Oktober 2025 – Foto: Enrique Muñoz GarcíaE(A)nt(h)ropical Snow, Juraplatz, Bienne, 05–31 October 2025 – Photo credit: Enrique Muñoz García

Cette œuvre abstraite convoque notre imaginaire à travers une matière en mouvement qui évoque l’organique et le vivant. Inspiré par la pensée de Bernard Stiegler, elle explore la tension entre désorganisation et réinvention, entre entropie et pensée. Les confettis, emportés par l’air, rappellent tour à tour une neige artificielle — trace sensible d’un Anthropocène chaotique —, des particules élémentaires ou des idées en formation. Leurs configurations se transforment au fil du temps, figurant la désorganisation du monde autant qu’elles esquissent de nouvelles trajectoires. L’œuvre s’inscrit dans une époque marquée par l’algorithmisation, la standardisation et la prolétarisation du vivant, mais ouvre un espace d’attention partagé, où chacun·e peut laisser émerger ses propres images mentales. Elle évoque une autre manière de penser : non pas par calcul ou optimisation, mais par interprétation, sensibilité et exploration.Diese abstrakte Arbeit ruft das Imaginäre durch eine bewegte Materie auf, die an Organisches und Lebendiges erinnert. Inspiriert von Bernard Stieglers Denken untersucht sie die Spannung zwischen Desorganisation und Neuerfindung, zwischen Entropie und Denken. Von Luftströmungen erfasste Konfetti verweisen abwechselnd auf künstlichen Schnee – als sinnliche Spur eines chaotischen Anthropozäns –, auf elementare Partikel oder auf Ideen im Entstehen. Ihre Konfigurationen verändern sich im Verlauf der Zeit: Sie veranschaulichen die Desorganisation der Welt und zeichnen zugleich neue Bahnen nach. Die Arbeit ist in einer Epoche verortet, die von Algorithmisierung, Standardisierung und der Proletarisierung des Lebendigen geprägt ist, eröffnet jedoch einen geteilten Raum der Aufmerksamkeit, in dem jede*r eigene innere Bilder entstehen lassen kann. Sie verweist auf eine andere Art zu denken: nicht durch Berechnung oder Optimierung, sondern durch Interpretation, Sensibilität und Exploration.This abstract work calls upon the imagination through a moving matter that evokes the organic and the living. Inspired by Bernard Stiegler’s thought, it explores the tension between disorganization and reinvention, between entropy and thinking. Carried by air currents, the confetti alternately evokes artificial snow—a sensorial trace of a chaotic Anthropocene—elementary particles, or ideas in formation. Their configurations shift over time, both figuring the disorganization of the world and sketching new trajectories. The work is situated in an era marked by algorithmization, standardization, and the proletarianization of the living, yet it opens a shared space of attention in which each person can let their own mental images emerge. It suggests another way of thinking: not through calculation or optimization, but through interpretation, sensibility, and exploration.

Beyond the FramesBeyond the FramesBeyond the Frames

Beyond the Frames est une série générale et évolutive de dispositifs perceptifs explorant les relations entre le numérique, l’analogique et le mécanique. Elle interroge la manière dont les images se construisent et se perçoivent, en déplaçant les cadres habituels de la vision.Beyond the Frames ist eine allgemeine und sich weiterentwickelnde Serie von Wahrnehmungsdispositiven, die die Beziehungen zwischen Digitalem, Analogem und Mechanischem untersucht. Sie hinterfragt, wie Bilder entstehen und wahrgenommen werden, indem sie die gewohnten Rahmen des Sehens verschiebt.Beyond the Frames is a general and evolving series of perceptual dispositifs exploring the relationships between the digital, the analog, and the mechanical. It questions how images are constructed and perceived by shifting the habitual frames of vision.

Beyond the Frames – LandingsBeyond the Frames – LandingsBeyond the Frames – Landings

Beyond the Frames - Landings, 2025Beyond the Frames - Landings, 2025Beyond the Frames - Landings, 2025

Beyond the Frames – Landings est un ensemble d’œuvres s’inscrivant dans ce cadre général. Inspirées par le fonctionnement des télévisions mécaniques, elles réinvestissent des séquences issues de Landings, une œuvre vidéo antérieure de l’artiste.

Chaque pièce isole une fleur filmée au microscope et en extrait une série d’images fixes disposées sur un support circulaire. Par le mouvement, ces images recomposent partiellement la séquence d’origine, produisant une animation fragmentée qui met en tension un matériau vivant et organique avec une structure technique rigide. Le dispositif peut ainsi être perçu comme une horloge, un écran ou une fenêtre ouvrant à la fois sur un monde microscopique biologique et sur les mécanismes perceptifs humains, habituellement dissimulés dans les technologies contemporaines.

Pouvant être envisagée comme une forme de vidéo mécanique, l’œuvre inscrit la question de l’image animée dans une économie technique et énergétique volontairement réduite.Beyond the Frames – Landings ist eine Werkgruppe innerhalb dieses offenen Rahmens. Inspiriert von der Funktionsweise mechanischer Fernsehgeräte greift sie Sequenzen aus Landings wieder auf, einem früheren Video-Werk des Künstlers.

Jedes Werk isoliert eine unter dem Mikroskop gefilmte Blüte und entnimmt daraus eine Reihe von Standbildern, die auf einem kreisförmigen Träger angeordnet sind. Durch Bewegung rekonfigurieren diese Bilder die ursprüngliche Sequenz teilweise und erzeugen eine fragmentierte Animation, die lebendig-organisches Material mit einer strengen technischen Struktur in Spannung setzt. Das Dispositiv kann als Uhr, als Bildschirm oder als Fenster wahrgenommen werden – zugleich auf eine mikroskopische biologische Welt und auf menschliche Wahrnehmungsmechanismen, die in heutigen Technologien meist verborgen bleiben.

Als eine Form mechanischen Videos gedacht, verortet die Arbeit die Frage nach dem bewegten Bild in einer bewusst reduzierten technischen und energetischen Ökonomie.Beyond the Frames – Landings is a group of works situated within this broader framework. Inspired by the functioning of mechanical televisions, it reuses sequences from Landings, an earlier video work by the artist.

Each piece isolates a flower filmed under a microscope and extracts a series of still frames arranged on a circular support. Through motion, these frames partially recombine the original sequence, producing a fragmented animation that sets a living, organic material in tension with a rigid technical structure. The dispositif can be perceived as a clock, a screen, or a window opening at once onto a microscopic biological world and onto human perceptual mechanisms, usually concealed within contemporary technologies.

Conceived as a form of mechanical video, the work situates the question of moving images within a deliberately reduced technical and energetic economy.

LandingsLandingsLandings

Landings, vidéo, 9 minutes, fleurs filmées au microscope (extrait)Landings, Video, 9 Minuten, unter dem Mikroskop gefilmte Blumen (Auszug)Landings, video, 9 minutes, flowers filmed under a microscope (excerpt)

Landings, vidéo, 9 minutes, fleurs filmées au microscope, Cantonale Berne Jura, Kunsthaus Langenthal, 2023 - Crédit photo : Cedric MussanoLandings, Video, 9 Minuten, unter dem Mikroskop gefilmte Blumen, Cantonale Berne Jura, Kunsthaus Langenthal, 2023 – Foto: Cedric MussanoLandings, video, 9 minutes, flowers filmed under a microscope, Cantonale Berne Jura, Kunsthaus Langenthal, 2023 – Photo credit: Cedric Mussano

Landings est une succession de scènes filmées à l’aide d’un microscope numérique. Les cadrages sont étroits, de sorte que les fleurs ne soient pas directement reconnaissables, mais évoquent plutôt des paysages fantastiques. Sommes-nous des humains atterrissant dans des lieux inconnus ou bien des abeilles se posant sur des fleurs ?

En donnant à la réalité une apparence surnaturelle, ce projet nous encourage à explorer notre perception et notre imagination au quotidien. Le son accentue le sentiment de voyager dans de grands espaces. Il évoque à la fois des environnements aériens et sous-marins, et se transforme pour accompagner les formes et les mouvements des différentes scènes.

Dans cet espace englobant, les paysages et le son sont en symbiose avec les mouvements de la caméra, afin de nous faire ressentir notre interdépendance et notre indissociabilité de ce que nous nommons communément la « nature ».Landings besteht aus einer Abfolge von Szenen, die mit einem digitalen Mikroskop aufgenommen wurden. Die Bildausschnitte sind eng gewählt, sodass die Blumen nicht unmittelbar erkennbar sind, sondern vielmehr an fantastische Landschaften erinnern. Sind wir Menschen, die in unbekannten Gebieten landen, oder Bienen, die sich auf Blumen niederlassen?

Indem das Projekt der Realität ein nahezu übernatürliches Erscheinungsbild verleiht, lädt es dazu ein, die eigene Wahrnehmung und Vorstellungskraft im Alltag zu erkunden. Der Klang verstärkt das Gefühl einer Reise durch weite Räume. Er evoziert zugleich luftige und unterwasserartige Umgebungen und verändert sich, um die Formen und Bewegungen der einzelnen Szenen zu begleiten.

In diesem umhüllenden Raum stehen Bildlandschaften und Klang in Symbiose mit den Bewegungen der Kamera, um ein Empfinden von Interdependenz und Untrennbarkeit gegenüber dem zu vermitteln, was wir gemeinhin als „Natur“ bezeichnen.Landings is a succession of scenes filmed using a digital microscope. The framing is deliberately tight, so that the flowers are not directly recognizable, but instead evoke fantastic landscapes. Are we humans landing in unknown places, or bees settling on flowers?

By giving reality a seemingly supernatural appearance, the project encourages an exploration of perception and imagination in everyday life. The sound enhances the sensation of traveling through vast spaces. It evokes both aerial and underwater environments, and transforms itself to accompany the shapes and movements of the different scenes.

Within this encompassing space, landscapes and sound are in symbiosis with the movements of the camera, allowing us to sense our interdependence and inseparability from what we commonly refer to as “nature”.

Infinite Structures – ScreenInfinite Structures – ScreenInfinite Structures – Screen

Infinite Structures - Screen, impressions rétroéclairées, Joli Mois de Mai, La Voirie (Bienne) 2022Infinite Structures - Screen, hinterleuchtete Drucke, Joli Mois de Mai, La Voirie (Bienne), 2022Infinite Structures - Screen, backlit prints, Joli Mois de Mai, La Voirie (Bienne), 2022

Infinite Structures – Screen est une expérimentation autour des relations entre les modes de fonctionnement des images imprimées (trame) et numériques (pixels). Le projet prend la forme d’un dispositif immersif dans lequel l’écran ne vise pas la transmission d’informations, mais engage le public dans une expérience perceptive.

L’image se transforme uniquement à travers les déplacements des spectateur·rice·x·s. Structurée selon un principe proche de celui des pixels, elle met en jeu les mécanismes de la vision et invite à éprouver les instabilités de la perception. Cette relation directe entre corps, regard et image vise à ouvrir un processus de subjectivation, dans lequel l’image ne cherche ni à informer ni à orienter, mais à entrer en interaction avec le corps et l’imaginaire. Libérée de toute fonction descriptive, l’image devient un espace ouvert où le regard se reconfigure et où l’imaginaire peut se projeter.Infinite Structures – Screen ist ein Experiment zu den Beziehungen zwischen den Funktionsweisen gedruckter Bilder (Raster) und digitaler Bilder (Pixel). Das Projekt nimmt die Form eines immersiven Dispositivs an, in dem der Bildschirm nicht der Informationsübertragung dient, sondern das Publikum in eine Wahrnehmungserfahrung einbindet.

Das Bild verändert sich ausschließlich durch die Bewegungen der Besucher·innen. Nach einem Prinzip strukturiert, das dem der Pixel nahekommt, setzt es die Mechanismen des Sehens in Spiel und lädt dazu ein, die Instabilitäten der Wahrnehmung zu erfahren. Diese direkte Beziehung zwischen Körper, Blick und Bild zielt darauf, einen Prozess der Subjektivierung zu eröffnen, in dem das Bild weder informieren noch lenken will, sondern mit Körper und Imaginärem in Interaktion tritt. Von jeder beschreibenden Funktion befreit, wird das Bild zu einem offenen Raum, in dem sich der Blick neu konfiguriert und sich das Imaginäre projizieren kann.Infinite Structures – Screen is an experiment on the relationships between the operating modes of printed images (halftone/raster) and digital images (pixels). The project takes the form of an immersive dispositif in which the screen does not aim to transmit information, but engages the audience in a perceptual experience.

The image changes only through the movements of viewers. Structured according to a principle close to that of pixels, it activates the mechanisms of vision and invites an experience of the instabilities of perception. This direct relation between body, gaze, and image aims to open a process of subjectivation, in which the image seeks neither to inform nor to steer, but to enter into interaction with the body and the imagination. Freed from any descriptive function, the image becomes an open space where the gaze reconfigures itself and imagination can be projected.

Infinite Structures – Video ProjectInfinite Structures – Video ProjectInfinite Structures – Video Project

Infinite Structures - Video project, 24 minutes, en boucle, 2023 (extrait)Infinite Structures - Video project, 24 Minuten, Loop, 2023 (Auszug)Infinite Structures - Video project, 24 minutes, loop, 2023 (excerpt)

Infinite Structures - Video project, 24 minutes, en boucle, mars 2021, Cantonale Berne Jura, Musée jurassien des Arts, MoutierInfinite Structures - Video project, 24 Minuten, Loop, März 2021, Cantonale Berne Jura, Musée jurassien des Arts, MoutierInfinite Structures - Video project, 24 minutes, loop, March 2021, Cantonale Berne Jura, Musée jurassien des Arts, Moutier

Ce projet se compose de quatre vidéos, chacune générée à partir d’un motif de base différent. Dans chaque cas, le motif est disposé comme une trame répétitive occupant l’ensemble de l’écran, puis soumis au même protocole simple et continu : un zoom avant et arrière à vitesse constante, effectué au sein d’un logiciel de montage vidéo.

À mesure que l’image est recalculée et redimensionnée, le logiciel est progressivement poussé au-delà de ses conditions d’affichage stables. À certains seuils, l’image se dérègle et se reconfigure : des déformations, des ruptures et des instabilités apparaissent. Ces « bugs » ne sont pas des effets ajoutés, mais les manifestations directes du recalcul interne de l’image par le logiciel, confronté à ses propres limites.

Les formes issues du recalcul se transforment de manière continue, glissant d’un état à l’autre sans jamais se fixer, dans un mouvement constant. Bien que le protocole soit strictement identique pour les quatre vidéos, chaque motif initial ouvre une trajectoire singulière de transformations.

L’œuvre est constituée de captures vidéo directes de ce processus. Le projet fonctionne à la fois comme une analyse d’un dispositif numérique et comme une expérience abstraite et immersive, où l’image en transformation continue ouvre un espace d’interprétation et de projection.Dieses Projekt besteht aus vier Videos, die jeweils ausgehend von einem unterschiedlichen Grundmuster generiert werden. In jedem Fall ist das Muster als repetitive Rasterstruktur über den gesamten Bildschirm angelegt und wird demselben einfachen und kontinuierlichen Protokoll unterzogen: einem konstanten Hinein- und Herauszoomen innerhalb einer Videobearbeitungssoftware.

Im Zuge der fortlaufenden Neuberechnung und Skalierung des Bildes wird die Software zunehmend über ihre stabilen Darstellungsbedingungen hinaus belastet. An bestimmten Schwellen beginnt sich das Bild zu verändern und neu zu konfigurieren: Verzerrungen, Brüche und Instabilitäten treten auf. Diese „Bugs“ sind keine hinzugefügten Effekte, sondern direkte Manifestationen der internen Neuberechnungsprozesse der Software, wenn sie mit ihren eigenen Grenzen konfrontiert wird.

Die aus dieser Neuberechnung hervorgehenden Formen befinden sich in ständiger Transformation und gleiten von einem Zustand in den nächsten, ohne sich jemals zu stabilisieren. Obwohl das Protokoll für alle vier Videos strikt identisch ist, eröffnet jedes Ausgangsmuster eine eigene, singuläre Transformationsbahn.

Die Arbeit besteht aus direkten Bildschirmaufzeichnungen dieses Prozesses. Das Projekt fungiert zugleich als Analyse eines digitalen Dispositivs und als abstrakte, immersive Erfahrung, in der das sich kontinuierlich wandelnde Bild einen Raum für Interpretation und Projektion eröffnet.This project consists of four videos, each generated from a different base pattern. In each case, the pattern is arranged as a repetitive grid filling the screen and subjected to the same simple and continuous protocol: a constant zoom in and zoom out performed within video-editing software.

As the image is recalculated and rescaled, the software is gradually pushed beyond its stable display conditions. At certain thresholds, the image begins to malfunction and reconfigure itself: distortions, ruptures and instabilities appear. These “bugs” are not added effects, but direct manifestations of the software’s internal recalculation process when confronted with its own limits.

The forms resulting from this recalculation transform continuously, sliding from one state to another without ever stabilizing, in a constant flow. Although the protocol is strictly identical for all four videos, each base pattern opens a singular trajectory of transformations.

The work is composed of direct screen captures of this process. The project functions both as an analysis of a digital dispositif and as an abstract, immersive experience, in which the continuously transforming image opens a space for interpretation and projection.

NeurodystopieNeurodystopieNeurodystopie

Neurodystopie, installation interactive et filtres Instagram, en collaboration avec Maxence Kölbl, décembre 2020, Covitrine, Lokal-int, BienneNeurodystopie, interaktive Installation und Instagram-Filter, in Zusammenarbeit mit Maxence Kölbl, Dezember 2020, Covitrine, Lokal-int, BienneNeurodystopie, interactive installation and Instagram filters, in collaboration with Maxence Kölbl, December 2020, Covitrine, Lokal-int, Bienne

Neurodystopie est une installation interactive utilisant des filtres Instagram pour modifier progressivement le visage des spectateur·rice·x·s. Le dispositif repose sur des masques numériques scindés en deux, dont chaque partie exprime une émotion distincte, produisant des configurations émotionnelles instables et parfois contradictoires.

En jouant sur la limite entre confusion et humour, le projet déplace les codes dominants de la reconnaissance émotionnelle. Plutôt que de synthétiser les expressions en émotions « complexes », le dispositif propose une représentation simultanée d’émotions « simples », ouvrant une réflexion sur la neurodiversité et la pluralité des modes de perception.

Ce renversement du regard fonctionne comme une expérience miroir : ce qui est habituellement perçu comme évident devient étrange, révélant le caractère construit des normes de lisibilité émotionnelle. Conçu dans le contexte de la pandémie de coronavirus, le projet fait aussi écho à l’étrangeté apparue dans les pratiques de communication médiatisées, y compris chez des personnes habituellement bien adaptées socialement. Les filtres ont été publiés sur Instagram et peuvent être expérimentés à distance.Neurodystopie ist eine interaktive Installation, die Instagram-Filter nutzt, um das Gesicht der Besucher·innen schrittweise zu verändern. Das Dispositiv basiert auf digitalen Masken, die in zwei Teile geteilt sind; jede Hälfte drückt eine eigene Emotion aus und erzeugt instabile, teils widersprüchliche emotionale Konfigurationen.

Indem das Projekt an der Grenze zwischen Verwirrung und Humor operiert, verschiebt es die dominanten Codes der Emotionserkennung. Anstatt Ausdrücke zu « komplexen » Emotionen zu synthetisieren, schlägt das Dispositiv eine gleichzeitige Darstellung « einfacher » Emotionen vor und eröffnet so eine Reflexion über Neurodiversität und die Vielfalt von Wahrnehmungsweisen.

Diese Umkehrung des Blicks funktioniert als Spiegel-Erfahrung: Was gewöhnlich als selbstverständlich wahrgenommen wird, wird fremd und macht den konstruierten Charakter von Normen emotionaler Lesbarkeit sichtbar. Im Kontext der Coronavirus-Pandemie entstanden, nimmt das Projekt auch Bezug auf die Fremdheit, die in mediatisierten Kommunikationspraktiken auftrat – auch bei Menschen, die sozial gewöhnlich gut angepasst sind. Die Filter wurden auf Instagram veröffentlicht und können auch aus der Ferne erprobt werden.Neurodystopie is an interactive installation using Instagram filters to gradually alter the faces of viewers. The dispositif is based on digital masks split into two parts, each half expressing a distinct emotion and producing unstable, sometimes contradictory emotional configurations.

By working at the boundary between confusion and humor, the project shifts dominant codes of emotional recognition. Rather than synthesizing expressions into “complex” emotions, the dispositif proposes a simultaneous representation of “simple” emotions, opening a reflection on neurodiversity and the plurality of perceptual modes.

This reversal of the gaze functions as a mirror experience: what is usually perceived as obvious becomes strange, revealing the constructed nature of norms of emotional legibility. Developed in the context of the coronavirus pandemic, the project also echoes the sense of strangeness that emerged in mediated communication practices, including among people who are usually well socially adapted. The filters were published on Instagram and can be experienced remotely.

ErrorsErrorsErrors

Errors, installation et performance visuelle et sonore, 15 minutes, septembre 2018, Cabane B, BerneErrors, visuelle und klangliche Installation und Performance, 15 Minuten, September 2018, Cabane B, BernErrors, visual and sound installation and performance, 15 minutes, September 2018, Cabane B, Bern

Errors est une installation et performance visuelle et sonore reposant sur des interactions minimales avec des outils numériques. Maxence Kölbl applique un zoom et un dézoom continus à une image de voiles, faisant apparaître des perturbations liées aux processus d’interpolation et de recomposition de la trame de l’image. En parallèle, Laurent Perret-Gentil module les volumes de quatre sons continus, chacun diffusé par un haut-parleur distinct.

Les sons sont sélectionnés de manière à générer, selon leurs variations de volume, des micro-vibrations résultant de leurs interactions, et non de simples superpositions. De façon analogue, le zoom appliqué à l’image provoque des perturbations visuelles issues du comportement interne du dispositif. Le projet explore ainsi les instabilités et micro-vibrations produites par des systèmes numériques soumis à des paramètres simples — taux d’agrandissement de l’image et variation des volumes sonores — et met en tension les structures du visuel et du sonore dans l’espace.Errors ist eine visuelle und klangliche Installation und Performance, die auf minimalen Interaktionen mit digitalen Werkzeugen beruht. Maxence Kölbl wendet ein kontinuierliches Hinein- und Herauszoomen auf ein Bild von Segeln an und lässt dabei Störungen sichtbar werden, die mit Interpolationsprozessen und der Neukomposition des Bildrasters zusammenhängen. Parallel dazu moduliert Laurent Perret-Gentil die Lautstärken von vier kontinuierlichen Klängen, die jeweils über einen eigenen Lautsprecher wiedergegeben werden.

Die Klänge sind so ausgewählt, dass sie – je nach Lautstärkeverhältnissen – Mikro-Vibrationen erzeugen, die aus ihren Wechselwirkungen resultieren, und nicht bloß aus einfachen Überlagerungen. Auf ähnliche Weise erzeugt der Zoom im Bild visuelle Störungen, die aus dem inneren Verhalten des Dispositivs hervorgehen. So untersucht das Projekt die Instabilitäten und Mikro-Vibrationen, die durch digitale Systeme unter einfachen Parametern entstehen – Vergrößerungsrate des Bildes und Variation der Lautstärken – und setzt die Strukturen des Visuellen und des Klanglichen im Raum in Spannung.Errors is a visual and sound installation and performance based on minimal interactions with digital tools. Maxence Kölbl applies a continuous zoom in and zoom out to an image of sails, revealing disturbances linked to processes of interpolation and recomposition of the image’s raster. In parallel, Laurent Perret-Gentil modulates the volumes of four continuous sounds, each assigned to a separate loudspeaker.

The sounds are selected so that, depending on their volume variations, they generate micro-vibrations resulting from their interactions rather than simple superimpositions. Analogously, the zoom applied to the image produces visual disturbances arising from the dispositif’s internal behavior. The project thus explores the instabilities and micro-vibrations produced by digital systems subjected to simple parameters—image magnification rate and variation of sound volumes—and sets the structures of the visual and the sonic in tension within the space.

IrisIrisIris

Iris, installation visuelle et sonore interactive, juin 2018, Halles Usego, SierreIris, interaktive visuelle und klangliche Installation, Juni 2018, Halles Usego, SierreIris, interactive visual and sound installation, June 2018, Halles Usego, Sierre

Iris est une installation visuelle et sonore immersive et perceptive, inspirée du phénomène lumineux naturel d’irisation ainsi que des architectures et dispositifs numériques panoramiques. Dans un espace circulaire, quatre écrans diffusent des bandes lumineuses jaunes, magenta et cyan en mouvement, dont la superposition projette un fond blanc sur les murs.

Par leur simple présence, les spectateur·rice·x·s interagissent avec le dispositif en interrompant les faisceaux lumineux, faisant apparaître des couleurs autour de leurs ombres. Les formes et les mélanges chromatiques générés par les déplacements du public remplacent les repères architecturaux usuels et composent un espace panoramique virtuel, évoluant entre abstraction et figuration.

Le dispositif sonore renforce l’effet de présence et de spatialisation, tout en ouvrant un espace de projection de l’imaginaire. La diversité des fréquences et des couches sonores fait écho à la multiplicité des contrastes lumineux, engageant le corps, la perception et l’imaginaire dans une expérience immersive unifiée.Iris ist eine immersive, wahrnehmungsbezogene visuelle und klangliche Installation, inspiriert vom natürlichen Lichtphänomen der Irisierung sowie von panoramischen digitalen Architekturen und Dispositiven. In einem kreisförmigen Raum geben vier Bildschirme bewegte Lichtbänder in Gelb, Magenta und Cyan ab, deren Überlagerung einen weißen Grund auf die Wände projiziert.

Durch ihre bloße Anwesenheit interagieren Besucher·innen mit dem Dispositiv, indem sie die Lichtstrahlen unterbrechen und so Farben um ihre Schatten herum sichtbar werden lassen. Die durch die Bewegungen des Publikums entstehenden Formen und Farbmischungen ersetzen gewohnte architektonische Bezugspunkte und bilden einen virtuellen panoramischen Raum, der zwischen Abstraktion und Figuration oszilliert.

Das Klangdispositiv verstärkt Präsenz- und Raumeffekte und eröffnet zugleich einen Raum für Projektionen des Imaginären. Die Vielfalt der Frequenzen und Klangschichten entspricht der Vielfalt der Lichtkontraste und bindet Körper, Wahrnehmung und Imaginäres in eine einheitliche immersive Erfahrung ein.Iris is an immersive and perceptual visual and sound installation, inspired by the natural light phenomenon of iridescence as well as by panoramic digital architectures and dispositifs. In a circular space, four screens diffuse moving bands of yellow, magenta, and cyan light whose superimposition projects a white ground onto the walls.

Through their mere presence, viewers interact with the dispositif by interrupting the light beams, causing colors to appear around their shadows. The forms and chromatic mixtures generated by the audience’s movements replace the usual architectural reference points and compose a virtual panoramic space that shifts between abstraction and figuration.

The sound dispositif reinforces the sense of presence and spatialization while opening a space for the projection of imagination. The diversity of frequencies and sonic layers echoes the multiplicity of luminous contrasts, engaging body, perception, and imagination within a unified immersive experience.

NimbusNimbusNimbus

Nimbus, installation visuelle et sonore interactive, janvier 2018, Halles Usego, SierreNimbus, interaktive visuelle und klangliche Installation, Januar 2018, Halles Usego, SierreNimbus, interactive visual and sound installation, January 2018, Halles Usego, Sierre

Nimbus est une installation immersive dans laquelle les spectateur·rice·x·s évoluent au sein d’un espace saturé de fumée. Le sol, recouvert d’un matériau qui craque sous les pas, déclenche une lumière, engageant directement le corps dans l’activation du dispositif.

L’œuvre propose une expérience perceptive paradoxale, où les repères se construisent et se dérobent simultanément. Le mouvement rend la marche intensément présente, tout en empêchant toute localisation stable dans l’espace. La lumière suggère une visibilité sans jamais révéler clairement l’environnement. Les présences apparaissent et disparaissent dans la fumée, oscillant entre isolement et proximité, tandis que les interactions individuelles se mêlent à celles des autres.

Dans cet environnement interactif et abstrait, Nimbus ouvre un espace de projection de l’imaginaire, où la perception se construit à travers un va-et-vient constant entre solitude et relation, obscurité et apparition. L’expérience est à la fois individuelle et collective, fondée sur l’interconnexion des sens et des spectateur·rice·x·s.Nimbus ist eine immersive Installation, in der sich Besucher·innen in einem von Rauch gesättigten Raum bewegen. Der Boden ist mit einem Material bedeckt, das unter den Schritten knistert und Licht auslöst – der Körper wird so direkt in die Aktivierung des Dispositivs eingebunden.

Die Arbeit erzeugt eine paradoxe Wahrnehmungserfahrung, in der Bezugspunkte sich zugleich aufbauen und entziehen. Bewegung macht das Gehen intensiv präsent, verhindert jedoch jede stabile Verortung im Raum. Das Licht suggeriert Sichtbarkeit, ohne die Umgebung je klar zu enthüllen. Präsenzen erscheinen und verschwinden im Rauch, oszillieren zwischen Isolation und Nähe, während sich individuelle Interaktionen mit denen der anderen vermischen.

In dieser interaktiven und abstrakten Umgebung eröffnet Nimbus einen Raum zur Projektion des Imaginären, in dem sich Wahrnehmung in einem ständigen Hin und Her zwischen Alleinsein und Beziehung, Dunkelheit und Erscheinung bildet. Die Erfahrung ist zugleich individuell und kollektiv und beruht auf der Verbindung der Sinne und der Besucher·innen.Nimbus is an immersive installation in which viewers move within a space saturated with smoke. The floor, covered with a material that crackles underfoot, triggers a light, directly engaging the body in activating the dispositif.

The work offers a paradoxical perceptual experience in which reference points are simultaneously built and withdrawn. Movement makes walking intensely present while preventing any stable positioning in space. Light suggests visibility without ever clearly revealing the environment. Presences appear and disappear in the smoke, oscillating between isolation and proximity, while individual interactions blend with those of others.

Within this interactive and abstract environment, Nimbus opens a space for the projection of imagination, where perception is shaped through a constant back-and-forth between solitude and relation, darkness and appearance. The experience is both individual and collective, grounded in the interconnection of the senses and the viewers.

MiragesMiragesMirages

Mirages, installation visuelle et sonore, juin 2017, Édhéa, SierreMirages, visuelle und klangliche Installation, Juni 2017, Édhéa, SierreMirages, visual and sound installation, June 2017, Édhéa, Sierre

Mirages est une installation visuelle et sonore composée de trois télévisions éclairant les angles de la salle. La lumière diffusée apparaît d’abord blanche, mais une observation attentive révèle des flux de couleurs et des formes en mouvement.

Un subwoofer génère des vibrations dans l’espace, tandis que des casques diffusent un bruit sonore. Les perceptions visuelles et sonores ne peuvent être saisies simultanément : chaque spectateur·rice·x·s perçoit des couleurs, des formes et des hauteurs de son différentes, selon son attention et son appareil perceptif.

En confrontant le public à une saturation de stimuli et à l’impossibilité de tout percevoir à la fois, l’œuvre met en jeu la sélection perceptive. Bien que le dispositif puisse apparaître comme visuellement et sensoriellement très imposant, l’abstraction des images et des sons évite toute orientation interprétative et permet au public de s’approprier l’expérience, en faisant de l’œuvre une passerelle vers l’exploration de ses propres perceptions et de son monde intérieur.Mirages ist eine visuelle und klangliche Installation mit drei Fernsehgeräten, die die Raumecken beleuchten. Das ausgestrahlte Licht erscheint zunächst weiß, doch bei genauer Beobachtung werden farbige Ströme und bewegte Formen sichtbar.

Ein Subwoofer erzeugt Vibrationen im Raum, während Kopfhörer ein Geräuschsignal übertragen. Visuelle und akustische Wahrnehmungen lassen sich nicht gleichzeitig vollständig erfassen: Jede*r Besucher·in nimmt – je nach Aufmerksamkeit und Wahrnehmungsapparat – unterschiedliche Farben, Formen und Tonhöhen wahr.

Indem das Publikum mit einer Reizsättigung und der Unmöglichkeit konfrontiert wird, alles zugleich wahrzunehmen, aktiviert die Arbeit die selektive Wahrnehmung. Obwohl das Dispositiv visuell und sensorisch sehr imposant wirken kann, verhindert die Abstraktion von Bildern und Klängen jede interpretative Lenkung und ermöglicht es dem Publikum, sich die Erfahrung anzueignen – als eine Brücke zur Erkundung der eigenen Wahrnehmungen und des eigenen inneren Raums.Mirages is a visual and sound installation composed of three televisions illuminating the corners of the room. The emitted light initially appears white, but attentive observation reveals flows of color and moving forms.

A subwoofer generates vibrations in the space, while headphones diffuse a noise signal. Visual and sonic perceptions cannot be grasped simultaneously in full: each viewer perceives different colors, forms, and pitches, depending on their attention and perceptual apparatus.

By confronting the audience with a saturation of stimuli and the impossibility of perceiving everything at once, the work activates perceptual selection. Although the dispositif can appear visually and sensorially highly imposing, the abstraction of images and sounds avoids any interpretive steering and allows the public to appropriate the experience, making the work a bridge toward exploring one’s own perceptions and inner world.

Contrastes vibratoiresContrastes vibratoiresContrastes vibratoires

Contrastes vibratoires, installation visuelle et sonore, décembre 2018–janvier 2019, Cantonale Berne Jura, Centre Pasquart, BienneContrastes vibratoires, visuelle und klangliche Installation, Dezember 2018–Januar 2019, Cantonale Berne Jura, Centre Pasquart, Biel/BienneContrastes vibratoires, visual and sound installation, December 2018–January 2019, Cantonale Berne Jura, Centre Pasquart, Biel/Bienne

Contrastes vibratoires, installation visuelle et sonore, janvier 2017, Halles Usego, SierreContrastes vibratoires, visuelle und klangliche Installation, Januar 2017, Halles Usego, SidersContrastes vibratoires, visual and sound installation, January 2017, Halles Usego, Sierre

Deux variations de couleurs, constamment complémentaires, sont projetées sur les deux faces d’un panneau, puis se reflètent sur les murs de la salle. Selon un principe analogue, deux sons dont l’écart de hauteur évolue de manière continue sont diffusés dans l’espace.

Le projet met en jeu un rapport de tension et d’attraction, produit à la fois par la complémentarité visuelle et sonore permanente et par la difficulté à saisir le mouvement des pixels. Les variations chromatiques, prises dans un bruit visuel complexe, génèrent un effet hypnotique qui résiste à une interprétation immédiate.

L’intensité des contrastes visuels et sonores place la perception dans un état de sollicitation accrue, proche d’un seuil, où l’attention se réorganise face à une surcharge de stimuli. Ces conditions invitent à éprouver une forme d’attention particulière au présent, marquée par une suspension des repères temporels et une immersion dans l’instant.

Le mélange constant entre stimuli progressifs (transitions lentes) et stimuli rapides (mouvements des pixels, microvibrations sonores) permet aux spectateur·rice·x·s d’atteindre un état d’attention spécifique, situé entre tension et attraction.Zwei Farbvariationen, die konstant komplementär zueinander sind, werden auf beide Seiten einer Tafel projiziert und anschließend von den Wänden des Raumes reflektiert. Nach einem analogen Prinzip werden zwei Klänge mit einem kontinuierlich variierenden Tonhöhenabstand im Raum verbreitet.

Das Projekt setzt ein Spannungs- und Anziehungsfeld in Szene, das sowohl aus der permanenten visuellen und klanglichen Komplementarität als auch aus der Schwierigkeit resultiert, die Bewegung der Pixel zu erfassen. Die chromatischen Variationen, eingebettet in ein komplexes visuelles Rauschen, erzeugen einen hypnotischen Effekt, der sich einer unmittelbaren Interpretation entzieht.

Die Intensität der visuellen und klanglichen Kontraste versetzt die Wahrnehmung in einen Zustand erhöhter Beanspruchung, nahe an einer Schwelle, an der sich die Aufmerksamkeit angesichts einer Reizüberflutung neu organisiert. Diese Bedingungen laden dazu ein, eine besondere Form der Aufmerksamkeit auf die Gegenwart zu erfahren, gekennzeichnet durch eine Suspension zeitlicher Bezugspunkte und ein Eintauchen in den Moment.

Das konstante Zusammenspiel von progressiven Reizen (langsamen Übergängen) und schnellen Reizen (Pixelbewegungen, klanglichen Mikro-Vibrationen) ermöglicht es den Besucher·innen, einen spezifischen Aufmerksamkeitszustand zwischen Spannung und Anziehung zu erreichen.Two color variations, constantly complementary, are projected onto both sides of a panel and then reflected onto the surrounding walls. Following a similar principle, two sounds whose pitch interval evolves continuously are diffused throughout the space.

The project stages a relationship of tension and attraction, produced both by the constant visual and sonic complementarity and by the difficulty of grasping the movement of the pixels. The chromatic variations, embedded within a complex visual noise, generate a hypnotic effect that resists immediate interpretation.

The intensity of the visual and sonic contrasts places perception in a state of heightened solicitation, close to a threshold where attention reorganizes in response to a saturation of stimuli. These conditions invite the experience of a particular form of attention to the present, marked by a suspension of temporal reference points and an immersion in the moment.

The constant interplay between progressive stimuli (slow transitions) and rapid stimuli (pixel movements, sonic micro-vibrations) allows viewers to reach a specific attentional state situated between tension and attraction.

Intérieur / ExtérieurIntérieur / ExtérieurIntérieur / Extérieur

Intérieur/Extérieur, visual and sound installation, June 2016, Édhéa, SierreIntérieur/Extérieur, visuelle und klangliche Installation, Juni 2016, Édhéa, SierreIntérieur/Extérieur, visual and sound installation, June 2016, Édhéa, Sierre

Intérieur / Extérieur est une installation visuelle et sonore composée d’un panorama cylindrique en papier représentant un ensemble d’habitation circulaire des années 1970. Des haut-parleurs diffusent des enregistrements réalisés sur place, dans les appartements et la cour intérieure.

Les spectateur·rice·x·s peuvent circuler entre l’extérieur et l’intérieur du cylindre. Depuis l’extérieur du panorama, le point de vue correspond à celui des appartements, tandis que l’intérieur du cylindre renvoie à la cour. Dans cette même logique, les sons enregistrés dans les logements sont diffusés autour du panorama, tandis que ceux de la cour sont projetés en son centre, rendant perceptible le manque d’intimité sonore lié à l’isolation du bâtiment.

Le panorama est composé de rectangles évoquant des fenêtres, dont certaines sont percées, comme laissées ouvertes. Ces ouvertures permettent d’expérimenter des jeux de regards entre les appartements et la cour, engageant le public dans une exploration sensible des relations entre espaces privés et collectifs. À partir de cet exemple architectural particulièrement marquant, le projet invite à réfléchir aux influences de l’architecture sur l’intimité visuelle et sonore.

Quartier de la Bourdonnette, Chavannes-près-RenensIntérieur / Extérieur ist eine visuelle und klangliche Installation mit einem zylindrischen Papierpanorama, das eine kreisförmige Wohnanlage aus den 1970er-Jahren darstellt. Lautsprecher übertragen vor Ort aufgenommene Klänge aus den Wohnungen und dem Innenhof.

Besucher·innen können zwischen dem Außen- und Innenraum des Zylinders wechseln. Von außen entspricht der Blickpunkt dem der Wohnungen, während das Innere des Zylinders auf den Innenhof verweist. In derselben Logik werden die in den Wohnungen aufgenommenen Klänge um das Panorama herum abgespielt, während die Geräusche des Innenhofs im Zentrum erklingen, wodurch die mangelnde akustische Intimität infolge der baulichen Isolation erfahrbar wird.

Das Panorama besteht aus rechteckigen Elementen, die an Fenster erinnern, von denen einige durchbrochen sind, als wären sie geöffnet. Diese Öffnungen ermöglichen Blickbeziehungen zwischen Wohnungen und Innenhof und binden das Publikum in eine sensible Erkundung der Beziehung zwischen privaten und gemeinschaftlichen Räumen ein. Anhand dieses besonders markanten architektonischen Beispiels regt das Projekt dazu an, über den Einfluss von Architektur auf visuelle und akustische Intimität nachzudenken.

Quartier de la Bourdonnette, Chavannes-près-RenensIntérieur / Extérieur is a visual and sound installation composed of a cylindrical paper panorama depicting a circular housing complex from the 1970s. Loudspeakers diffuse recordings made on site, inside the apartments and in the inner courtyard.

Viewers can move between the exterior and interior of the cylinder. From outside the panorama, the viewpoint corresponds to that of the apartments, while the interior of the cylinder refers to the courtyard. Following this same logic, sounds recorded inside the apartments are diffused around the panorama, while those from the courtyard are projected at its center, making perceptible the lack of acoustic privacy linked to the building’s insulation.

The panorama is composed of rectangular elements evoking windows, some of which are perforated, as if left open. These openings allow visitors to experience lines of sight between apartments and courtyard, engaging the public in a sensitive exploration of the relationship between private and collective spaces. Through this particularly striking architectural example, the project invites reflection on the influence of architecture on visual and acoustic intimacy.

Quartier de la Bourdonnette, Chavannes-près-Renens